Valentino, Gucci, Moskino, Ferret, Missoni, Ferragamo, Pucci, Cavalli, Fendi, Armani, Alesandro Mendini, Gaetano Pesce, Ettore Sottsass, Giovanni Pontius - disse berømte navnene er kjent selv for de som er mer eller mindre interessert i mote og design.
Berømt italiensk kvalitet og stil har lenge vunnet hjertene til elskere av skjønnhet og komfort. Etterkrigstiden, plaget av estetisk sult, fokuserte på den aktive utviklingen av industrien, og snart hørte verden de melodiøse italienske navnene på skaperne av det vakre. Liten tid gikk - og navnene "Vespa", "Lambretta" trengte ikke lenger å bli dechifisert, og den italienske kaffetrakteren, designet av den berømte arkitekten. Ponty, har blitt nesten et symbol på dolce vita.
Men hovedgjennombruddet til italienske designere skjedde litt senere, på 60-tallet, da I I Saloni Milano-utstillingen var en hel sektor forbeholdt italienske møbelprodusenter.
Her er bare noen av anmeldelsene:
"Italienske designere lager ikke bare møbler, de ser dypere ut og trenger inn i essensen og naturen til ting."
"Italienske designere var ikke nok til å bryte ut fra fortidens armer. Omgå nutiden, hoppet de umiddelbart inn i fremtiden og skapte helt nye utrolige former."
Og i 1972 ble utstillingen "Italia: New Inner Landscape" holdt på New York Museum of Modern Art, hvoretter Italia var fast forankret i utgangspunktet. Fra nå av vil verden bli styrt av kreasjonene til italienske designere.
Navnet på den italienske designeren Daniela Chionna er godt kjent i Sør-Italia. Hun designer og lager ting som med rette kan kalles kunstgjenstander. Åpenhet for eksperimentering og fullstendig håndtering av materialer lar henne lage uten den minste begrensning av fantasiflukten.
Elegant, med briller i halv ansikt, med uklanderlig valgt tilbehør - slik møtte Daniela meg på en kafé. Over en kopp espresso diskuterte vi det nye prosjektet hennes, kort sagt, vi snakket "om tid og om oss selv." Vi introduserer et eksklusivt intervju av Daniela Chionna til lesere av Italia for meg.
- Daniela, alle som kommer til nettstedet ditt (danielachionna.it - ca. redaksjon), ser umiddelbart det berømte sitatet av en av grunnleggerne av abstrakt kunst, Vasily Kandinsky: "En ny vitenskap om kunst kan oppstå bare når tegn blir symboler og når et åpent øye og øre lar oss bane vei fra stillhet til tale." Hva avgjør valget av dette sitatet?
- For meg personlig inneholder dette sitatet betydningen og essensen av kunst. Det er nødvendig ikke bare å høre, men også å lytte sensitivt til alt som skjer rundt deg. Da kan du ikke bare forstå det eksterne, men også hva som skjer inni deg. Men selvrealisering er meningen med kunsten.
- Hvem påvirket valget ditt om å bli kunstner? Fortell om lærerne dine.
- Den første læreren min var faren min. Siden barndommen bodde jeg i en atmosfære av kunst, fordi alle familiemedlemmer på en eller annen måte var forbundet med kunst. Kjente kunstnere og kunstnere samlet seg alltid i foreldrene mine, jeg hørte på samtalene deres, besøkte utstillinger og følte meg alltid som en del av denne verden, til tross for min unge alder. Faktisk var yrket mitt forhåndsbestemt. Generelt sett i livet var jeg heldig som fikk møte fremragende mennesker som jeg ikke bare studerte yrket, men også livet fra. Og likevel klarte jeg å forstå en sannhet - den største læreren er inni meg.
- Du deltar ofte i forskjellige utstillinger og prosjekter. Tror du at en artist alltid trenger tilbakemeldinger, hva betyr publikums mening for deg?
- Jeg tror den såkalte publikums mening har en viktig, men ikke avgjørende mening for artisten. I det øyeblikket, når betrakteren ser på et kunstverk, inngår et forhold til ham, vil arbeidet alltid føre til følelser hos betrakteren. Hvis den er positiv, vil selvfølgelig artisten være fornøyd, hvis ikke, må kunstneren i alle fall følge sin egen vei. En ekte kunstner tilpasser seg ikke seeren, og betrakteren passer ikke til artisten. Seeren resonerer bare med frekvensen til skaperen.
"Vi venter alle på den nye smykkekolleksjonen din." Hva vil hun være dedikert til?
- I september 2014 lanseres en ny samling av smykker. Dette er en Art-a-Porte-samling dedikert til mamma. Og hun er oppkalt etter navnet sitt - Nina Joyeuse. Samlingen er laget av materiale som er veldig likt papir-mâché, hånddekorert. Hvert stykke er som virkelige malerier. Dette er smykker laget for sofistikerte kvinner som elsker å fantasere.
- Hvem er din ideelle kunde?
- Min ideelle klient er selvfølgelig en uvanlig person, en person veldig fri for stevner, men samtidig veldig dypt følsom og i stand til å håndtere symboler. Samlerne mine elsker å omgi seg med skjønnhet og skaper en atmosfære av glede rundt dem. Og jeg er glad for at jeg hjelper dem med dette.
- Italia har lenge vært vuggen til verdenssivilisasjonen. Bruker du de store prestasjonene til italienske mestere, kunstnere, skulptører og musikere i dine arbeider?
- Jeg er stolt av den store kulturarven i landet mitt. Naturligvis er alle de store navnene i renessansen på en eller annen måte usynlig til stede i arbeidet mitt. Gjennom året reiser jeg mye for å besøke de største utstillingene med italienske og utenlandske kunstnere, for å forstå hva verden lever. Ja, jeg kan ikke leve uten jazz og selvfølgelig uten Puccinis musikk.
- Hvordan vurderer du samtidskunst, der temaet for kunstnerens forskning kan være hva som helst. Hvor er linjen - kunst eller ikke kunst?
- Jeg deler ikke kunst inn i klassisk og moderne. Kunst er enten der eller ikke. Kunst er alltid et uttrykk for en persons sjel og hans tid, og hvis det er sannhet i et verk, vil den være tidløs. For meg er ikke verkene til Caravaggio viktigere enn arbeidene til samtidige store kunstnere. Vi gjenlyder bare med tiden, men universelle verdier og følelser er uendret.
Intervju tok Nadezhda Fedenko
Foto av Antimo Altavilla
